Listas

Mejores discos internacionales de 2016

Tras dejaros ayer la lista de mejores discos en el panorama nacional, seguimos nuestro repaso del año con los mejores discos que se han gestado más allá de nuestras fronteras. ¡Pero ojo! Estad atentos a nuestras redes y al blog, pues os tenemos preparado otro resumen más del año y no, no son los mejores discos publicados más allá de nuestra galaxia. Como sea, empezamos:

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Skeleton Tree, Nick Cave

Es imposible no escuchar este disco y no verse influenciado por el conocimiento sobre el contexto que lo rodea. Probablemente el último álbum de Cave ha sido el más oscuro de su carrera en todos los sentidos, pero lo que hay que tener claro es que es imposible no escuchar ‘I Need You’ y no acabar con los pelos de gallina. Sin duda, es uno de los grandes discos del año, si no el que más.

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Blackstar, David Bowie

Blackstar, por excelencia, el disco de esta lista que supimos que iba a estar en ella desde que David Bowie lanzó ‘Blackstar’ y ‘Lazarus’ como singles hace un año. Es imposible desligar este disco de su figura y de su muerte, pero sin duda este es un disco que nos ha marcado. Un largo magnífico desde la simbología que le llena y está presente en todo el álbum hasta lo inclasificable del sonido de las canciones, va más allá de géneros, es sobrecogedor a la vez que oscuro. ¿Se puede decir algo que no se sepa ya de este disco o de su autor?

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MY WOMAN, Angel Olsen

La cantautora natural de St. Louis ya avisaba con sus anteriores trabajos. Su talento iba creciendo a pasos agigantados, y aunque en las primeras escuchas de alguno de los singles que nos adelantó, finalmente, ha ocurrido. El de Angel Olsen es otro de los top 5 de este año. Lleno de contrastes en todos los ámbitos confirman que la cantautora puede darnos una de cal y otra de arena… o más bien. una de belleza y otra de energía. O si no, escuchen ‘Never Be Mine’ y ‘Sister’.

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A Moon Shaped Pool, Radiohead

Otros que han roto su silencio tras 5 años sin sacar disco han sido los británicos Radiohead. A Moon Shaped Pool ha sido, además, uno de los lanzamientos del año alrededor de los cuales se han generado más expectativas. De un hecho complicado y triste, Thom Yorke y los suyos han sacado este disco delicado, sencillo pero muy cuidado tanto en letras como en arreglos y estructura, un disco para saborear y disfrutar con tranquilidad que a los fans más fieles nos recuerda al Radiohead del In Rainbows. Han cumplido con las expectativas y no han decepcionado.

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You Want It Darker, Leonard Cohen

El disco de Leonard Cohen, al igual al igual que el de Bowie, es imposible de entender sin su contexto. Sin duda, el disco era premonitorio, pero a diferencia del Duque Blanco, Cohen no escondió su significado. Más allá de esto, el disco supone el fin de una discografía soberbia, marcada por una líricas magistrales y que, al igual que empezó, terminó con una situación de obras maestras. ‘Leaving the Table’ u ‘On the Level’ aupan este disco junto a los mejores del músico canadiense.

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Six Hope Demolition Project, PJ Harvey.

El disco de la británica Polly Jean no es, ni mucho menos una decepción. Tal vez sí que pueda verse como un hermano (algo) menor del glorioso ‘Let England Shake’, pero siendo sinceros, PJ Harvey ha llevado las reivindicaciones y la conciencia política a un nivel superior en la música con este ‘Six Hope Demolition Project’. Washington, Kosovo, Afganistán. ‘The Community of Hope’, ‘Chain of Keys’, ‘The Orange Monkey’.

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22, a Million, Bon Iver

Justin Vernon ha lanzado este año el que es sin duda el álbum más impredecible de su carrera musical. Recelosos de escucharlo al principio, 22, a Million se ha acabado convirtiendo en un miembro imprescindible de esta lista. Se trata de un disco complejo, introspectivo, difícil de escuchar y de descifrar, pero una vez desprendido de la carcasa de experimentación con samples, autotune y numerología, lo que queda debajo es el sonido de Bon Iver que tanto nos conmueve y que está presente (aunque a veces se camufle) en todos los temas de este disco de poco más de media hora de duración.

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Light Upon the Lake, Whitney

Sin duda, el del dúo formado por uno de los antiguos baterías de UMO, ha sido el debut del año. Su canción indie pop con claras reminiscencias country contiene una instrumentación que hace de esta colección de temas un genial disco con un sonido puramente propio que hace sin duda que, para el futuro haya que ponerles el ojo encima. Es indiscutible que ‘No Woman’ es de las mejores canciones de regusto folk que se han compuesto en este single.

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Why Are You Ok, Band of Horses

En nuestra lista también está el quinto álbum de estudio de Band of Horses. Se trata de un álbum equilibrado, en el que conjugan lo mejor de su estilo folk-épico con algunos pasos algo más experimentales y diferentes de aquello a lo que nos tienen acostumbrados. Como de costumbre, todo encaja perfectamente en los temas de este grupo, que sabe conjugar a la perfección las voces, los arreglos y las intensidades. Un disco agradable de escuchar y equilibrado.

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III, Moderat

Con este cierre de su trilogía, el trío berlinés Moderat se ha consagrado como uno de los máximos exponentes y como un valor para las noches de los festivales. Servidor considera que los ecos a Radiohead son más que palpables en temas como ‘Reminder’, sin duda el tema cumbre del álbum. Ya pasaron por festivales en nuestro país como el Primavera Sound y estarán en el próximo Mad Cool, así que si tenéis pensado dejaros caer, este ‘III’ es sin duda su mejor carta de presentación para quien no los haya escuchado aún.

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You Know Who You Are, Nada Surf

Este es el octavo disco de los neoyorkinos, el resultado de veinte años de trayectoria como grupo. Se trata de un largo lleno del sonido característico de Nada Surf, con canciones agradables de escuchar, con melodías animadas y con energía, pop de guitarras y voces cuidadas y limpias. You Know Who You are resulta así un buen disco tanto para los fans consolidados de Nada Surf como para los que se interesan por primera vez por este grupo.

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Adore Life, Savages

El grupo liderado por Jehnny Beth es la “girl band” del momento. Sus canciones nos muestran rabia y oscuridad a partes iguales, y la cantante es una frontman a la altura de Patti Smith u otra de las figurantes de esta lista, PJ Harvey. Las londinenses suenen en lo lírico a dichas cantantes y en lo instrumental a los grupos del rock alternativo más oscuro. Ecos de Joy Division o Wire hacen que sea muy difícil elegir alguna canción en concreto. El disco funciona a la perfección desde el minuto 0.

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Ash & Ice, The Kills

El dúo formado por Alison Mosshart y Jamie Hince no sacaba nuevo material desde 2011 y este año rompieron su silencio. Encontramos en Ash & Ice a unos The Kills más desnudos, con la voz de Alison Mosshart como protagonista principal de las canciones. Nos han presentado un disco que sigue la línea de su estilo garaje post-punk, pero con el cual se han atrevido a aventurarse un poco en la electrónica y nos han sorprendido introduciendo bases y ritmos con una producción muy cuidada, como vimos en los singles que nos adelantaron.

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City Sun Eater in the River of Light, Woods

Tras el soberbio ‘With Light and With Love’, primer disco de la banda de folk neoyorquina sin su bajista Kevin Morby (autor de otro disco que perfectamente podría estar en esta lista), el listón que el quinteto tenía que superar estaba bastante alto, pero con el paso adelante que dieron en su sonido lo han conseguido. El adelanto ‘Sun City Creeps’ ya lo advertía, pero no por ello se evitó que quedáramos hipnotizados con el alto contenido de psicodelia que los vientos presentes en ella nos mostraban. Sin duda, el disco no decepcionó, aunque de primeras a más de uno nos hubiera podido parecer insulso.  

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Schmilco, Wilco

Como es sabido, no oculto de manera alguna mi amor por el grupo liderado por Jeff Tweedy. Igual que no niego que en 2015 ese regalo que fue ‘Star Wars‘ me dejó bastante frío, he de reconocer que este disco de Wilco suena a un disco que Tweedy ha compuesto para sí mismo, razón por la cual no es de extrañar que a los menos fans del grupo de Chicago no les haya hecho especial gracia. Igualmente, pónganselo, no dejen que pare de sonar y verán como es imposible no caer en las fauces del mejor grupo de folk de nuestros días.

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Crónicas, Festivales

La nostalgia reinó sobre la monotonía la primera jornada del Mad Cool – Crónica Mad Cool Festival Jueves

El pasado fin de semana asistí al Mad Cool, la nueva cita festivalera en la capital que contaba un con un variado cartel y una propuesta muy ambiciosa. Como ya sabréis, a nivel de organización hubo bastantes quejas, pero yo tuve la suerte de no sufrir más que una larga espera en un barra una sola vez y un poco guiarme por la intuición para encontrar un escenario. Más allá, musicalmente (que es lo que realmente importa en estas citas) desde la primera jornada el festival cumplió como se esperaba.

Decoración Mad Cool

Tras fliparlo con la amplitud del recinto y movernos un poco por él para reconocer el terreno, nos acercamos a Rat Boy, encargado de abrir el escenario dos. Sin duda la génesis casi perfecta entre Mac DeMarco y The Libertines. A medio camino entre el punk y el hip hop, el joven inglés caldeó el ambiente e hizo botar al discreto (al menos comparando con lo que vendría más adelante) público. Sin duda, tiene un estilo que atrae, divertido y enérgico pero al que aún le faltan cosas por pulir y a menudo tiene un sonido tedioso que se puede hacer repetitivo.

El festival siguió, en sus dos escenarios principales, lo que ya vimos en nuestro SOS 4.8 o viene siendo habitual en el Sonorama Ribera de Aranda, conciertos que se van alternando y casi encadenando; así que aprovechamos esto para disfrutar de Milky Chance. El dúo alemán que algunos catalogan como folk rock pero que yo más bien los dejaría en algo pop con raíces lejanas en el folk sonó si cabe más monótono que el británico. Seguramente por la característica voz del cantante, incluso las canciones que iban presentando del que será su segundo disco, que sonaban más puramente folk (sobre todo por el hecho de que se colgaba la acústica y, bendita casualidad, empezaba a chispearnos) sonaron a más de lo mismo.

Uno de los grupos más esperados por un servidor de la jornada (si no el que más) y de todo el festival eran The Kills. Sabíamos que Alison Mosshart y James Hince tocaban en uno de los escenarios interiores, y en cual, teóricamente pero como todos los asistentes, no sabíamos cómo llegar; y las fechas ‘to everything’ servían de poco. Esto provocó que disfrutara de una canción de los catalanes Manel, grupo por el que tengo predilección pero que sacrifiqué por razones obvias y por la posibilidad de verlos en el Sonorama Ribera.

Ya en el escenario correspondiente, el dúo (que llevaba dos escuderos que se encargaban de la sección más rítmica) comenzaron su concierto con canciones de sus anteriores discos, como las geniales ‘No Wow’ o ‘Heart is a Beating Drum’, y no fue hasta la 5ª del setlist que comenzaron a presentar ‘Ash & Ice’. La genial acústica del escenario (cubierto) les vino de perlas para su oscuro sonido, que sólo se vio enturbiado un par de veces por los problemas de Hince con la guitarra. El acompañante de un servidor comentaba a la salida que se le habían hecho igualmente monótonos. No lo niego, pero sin algo está claro es que los seguidores de The Kills sabemos qué vamos a ver, no nos pilla de sorpresa. Sin duda, salí con una sonrisa al poder haber escuchado en directo la genial ‘Heart of a Dog’, pero triste por sacrificar el final en beneficio de un decente sitio para el plato fuerte.

Y es que The Who ya proyectaba en las pantallas del escenario principal sus visuales. Se nos venía encima un viaje en el tiempo, y quedó claro desde el principio de ‘I Can’t Explain’. No miento si digo que llevo años sin escuchar a los Who, pero marcaron mi infancia, y es de esos grupos por los que empecé a escuchar música. Vale que no son de ‘My Generation’ (ruego que no me matéis por el juego de palabra), pero coree esta canción como las aproximadamente 34.000 personas que asistieron a esta primera jornada. Aunque sin duda, para mí el momento clave de este concierto fue el grito de Dratleyen, quien ya había conseguido afinar una maltratada vor, en ‘Won’t Get Fooled Again’, canción con la que vienen cerrando los conciertos en esta gira. Sin duda, mi pensamiento tras el concierto fue que qué pensaría mi yo de 2º de la ESO si supiera que en un futuro iba a ver el molinillo con el brazo y el salto de Pete Townshend  en directo.

Roger Dratley, The Who. Fotografía oficial del Mad Cool.

Roger Dratley, The Who. Fotografía oficial del Mad Cool.

Tras la necesaria parada para cenar (somos humanos antes que melómanos y ni Garbage ni The Strypes despiertan algún tipo de interés en mí), nos volvimos al genial escenario cubierto, con previsión de divertirnos con Django Django (un grupo que llevaba sin escuchar desde el lanzamiento de su segundo largo). Tras una cola de 20 minutos por el mal funcionamiento del sistema cashless, pudimos conseguir una birra y acercarnos al meollo del concierto. Nos encontramos una calidad de sonido nada que ver con el de The Kills, pues esta vez sonó mucho mas turbio, y con un setlist excesivamente electrónico y no tan fresco como uno esperaba. Salvando ‘First Light’ y el himno ‘Default’, el grupo pasó por nosotros como una mera música de fondo para pasar el rato.

SI algo se hace raro en un festival es recogerse a las 3;30, y aproximadamente fue a esa hora a la que Digitalism acabó su concierto. El dúo iba íntegramente en formato live, y acompañado por unos audiovisuales flipantes, y de nuevo la calidad de sonido acompañó. La gente no paraba de bailar, dejando claro que lo que le falta al festival son dos horas más de duración a cada jornada y con programación electrónica para cerrar. Sin haber escuchado más que por encima al dúo alemán, fueron de los descubrimientos del festival, y en ‘Circles’ yo también lo di todo.

La primera jornada del Mad Cool para muchos fue accidentada, y sería un error negarlo. Pero al día siguiente  el festival reconoció los errores y como ya comentaremos, los solventaron, algo que no se suele ver. El Mad Cool ha nacido grande y para ser gigante, y tiene casi todo para conseguirlo.

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Reseñas, Singles, Videoclips

El nuevo disco de The Kills está cada vez más cerca

The Kills, uno de los grupos internacionales de los que servidora tiene más ganas de escuchar un nuevo álbum, vuelven a estar activos.

Ya os lo contábamos a principios del mes pasado, cuando la banda británica sacó el singe (con videoclip incluido) ‘Doing it to death’, y anunciaban que su nuevo disco, ‘Ash & Ice’, vería la luz el 3 de junio.

Ahora, nos enseñan el segundo adelanto de ese nuevo álbum, en este caso el tema se llama ‘Heart of a dog’ y suena tal que así:

Volvemos a encontrar el sonido característico, guitarrero y de voces lánguidas, de Alison Mosshart y Jamie Hince, en este caso acompañado de un curioso y entretenido vídeo que ha sido realizado por Sophie Muller, y con cual el mismo grupo se ha mostrado muy satisfecho en sus redes sociales. La sucesión de imágenes del dúo en el videoclip nos deja una pregunta, ¿es así es proceso compositivo de The Kills?

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Reseñas, Singles, Videoclips

The Kills, hasta la muerte

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Esta tarde, nos sorprendía la noticia que The Kills nos daba en Facebook, y es que el dúo de Londres nos ha anunciado la fecha de salida de su próximo disco (el quinto de su discografía), que será el 3 de junio (fecha casi en verano, ¿les tendremos en algún festival?), y el álbum se llamará Ash & Ice. Y, efectivamente, nos han dejado single con videoclip. “Doing it to death,” se llama la canción:

The Kills no sacaban disco desde 2011, así que recibimos la noticia del próximo lanzamiento con bastante expectación y ganas. Aún así, durante este silencio de The Kills, podíamos ver a Alison Mosshart en The Dead Weather, junto a Jack White, quienes sacaron disco este pasado 2015. El tema viene acompañado de un videoclip discreto pero con su punto macabro, y en el que, de hecho, se puede ver cierto toque de Jack White (no extraña que trabajaran juntos, y es que sus líneas, tanto musicales como estéticas, tienen pinta de encajar bastante bien).

El single reafirma su sonido contundente, de riffs de guitarra potentes, pero esta vez mezclado con unas bases electrónicas muy trabajadas y en los momentos justos, de modo que se integran perfectamente con la música. Y qué decir de la voz de Alison. Desde luego, tenemos ganas de más The Kills.

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