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Ángel Calvo nos detalla su ‘Crisis del yo burgués’ (Pt. 2)

En la anterior entrada dedicada al cantautor murciano, el propio Ángel Calvo nos desgranaba los entresijos de la primera parte de ‘Las crisis del yo burgués’, su primer álbum en solitario (recordemos que anteriormente fue el líder de El Pico de la Panocha), un disco de 16 temas en formato acústico que etiqueta como conceptual. Aquí está el desglose de la segunda parte de este álbum que fue lanzado hace apenas unos días, el 1 de septiembre.

Portada

8. Sito en ti

Es la primera canción de la segunda parte del disco y, asimismo, de la tetralogía a la mujer desconocida. La letra está basada en un artículo histórico sobre las relaciones sociales en la Huerta de Murcia a finales del siglo XIX y la música en el tres por cuatro de la jota. He de confesar que tengo especial predilección por esta canción.

9. La socorrista 

Un homenaje a mis primeras canciones en las que la comedia era lo dominante, pero con una base real. Ese verano fui a la piscina más que en toda mi vida… por algo sería.

10. Todo lo que quiero saber de Italia

Una italiana que hablaba español mejor que yo (y con la que no pasó nada), una lista en el móvil sobre todas las cosas que recordaba de Italia elaborada mientras estaba borracho en una casa okupa de Berlín y una mañana de resaca para musicalizarla fue todo lo que necesité para hacer esta canción. Esta es, sin duda, otra de mis favoritas.

11. El donante

Esta canción está inspirada en la historia real del amor platónico de un amigo con la enfermera de centro de hemodonación y compuesta de vuelta de tocar con mi cuadrilla, la solidaridad, el amor no correspondido y el folclore murciano se mezclan en esta jota moderna.

12. Y tú

Es, probablemente, mi mayor canción de temática amorosa. Compuesta bajo demanda, me he alegrado más de una vez cuando se ha convertido en una de las canciones de parejas amigas. Sé que es de las canciones que me va a acompañar durante toda mi carrera.

13. A la vez

Esto es así, por cada canción de amor se hacen 20 de desamor. Esta canción, compuesta justo después de una ruptura, responde al prototipo de “canciones alegres, temáticas tristes”. Y es muy divertida de tocar.

14. Ya es mucho saber

Se trata de una canción que explica lo que para mí es una teoría defendida en numerosas ocasiones: que el desamor no es sino otra forma de amor y, por tanto, en sí es bello. Es una de las canciones que más me ayudaron a cicatrizar heridas.

15. Cómo decirte adiós

Una vez le oí a Ismael Serrano decir que todas las canciones de desamor eran pura mentira. Esta es la viva prueba de ello.

16. Podría ser peor

Le debo toda mi carrera compositiva a esta canción. Significó la ruptura de la barrera imaginaria que había entre ser interprete y empezar a mostrar al mundo tus propias canciones. Gracias, Podría ser peor.

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Ángel Calvo nos detalla su ‘Crisis del yo burgués’ (Pt. 1)

Hace unos días os adelantábamos qué podíamos esperar del disco de Ángel Calvo, ex líder de El Pico de la Panocha, a través de sus propias palabras y de lo que sus primeros dos singles nos trasmitían. ‘Las crisis del yo burgués’, que es como se titula su trabajo, un disco conceptual de 16 canciones en formato acústico, vio la luz ayer día 1 de septiembre y hoy es el propio artista quien nos va a hablar de la primera parte del álbum, plenamente dedicado a sus vivencias personales.

Portada

1. A uno mismo

No me suelen cuajar las canciones que hago cuando estoy triste (con la excepción de canciones de desamor), pero en esta canción conseguí darle la vuelta a la letra y que se convirtiera en objeto de redención personal. Me pareció la más adecuada para inaugurar un disco conceptual que narra mis tribulaciones vitales durante un trienio.

2. Levante

Una reivindicación de Murcia que me ha dado muchas alegrías. Cuando mis amigos se han ido fuera de la tierra la han usado para pasar la morriña y eso pues mola que te cagas. Al principio he de reconocer que me pareció de un pop muy convencional y le tomé algo de manía, pero al final le he cogido cariño.


3. Sol de enero

Junto con ‘Podría ser Peor’ y ‘Cartagenera’, una de mis primeras canciones. Es una misiva directa al sol invernal. Para algunos se trata de una canción de amor. No me parece mal esa lectura. Al fin y al cabo, una vez que publicas una canción las interpretaciones subjetivas de la misma hace que sea casi más de tu público que tuya.

4. Nacho Vistabellas

Imposible no incluir en este primer disco vivencial la canción que ensalza la figura de Nacho Pepsicolo, conocido en mi casa como Nacho Vistabellas. Gran amigo y mejor músico, le debo mucho de la actitud y filosofía con la que hago canciones. El punk en Murcia, el rey de los songwriters y mi padre artístico se llama Nacho Vistabellas.

5. Los favores que jamás me habías pedido

Probablemente una de las canciones más American Folk del disco. Recuerdo escribirla del tirón en un momento de vacío existencial y, que al menos, me dio motivos para seguir viviendo en lo que quedaba de tarde.

6. Intertextual

Con un título que hace referencia a la teoría de la literatura, es una canción que aprovecho para hablar de mis influencias más próximas. Tengo bastante claro que si no fuera por el grupo de músicos de mi ciudad con el que formo “escuela” y el grupo de personas a las que quiero y que disfrutaron de verdad con lo que hago, quizá no habría compuesto nunca canciones. Esta canción es un homenaje a todos ellos.

7. Cierra los ojos

Es una canción que habla esencialmente de la superación. El mismo día que la compuse caí en la cuenta de que se parecía muchísimo a ‘Don’t think twice, it’s all right’ de Bob Dylan, pero al final las notas y los ritmos son limitados… ¿o no? La creí apropiada para cerrar esta primera parte de Las crisis del yo burgués, con una temática similar a ‘A uno mismo’, constituye en mi opinión un buen cierre para esta primera mitad dedicada a mis vivencias.

Atentos al blog y nuestras redes sociales, porque mañana podréis leer la segunda parte de este personal track by track.

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Aún quedan formas de cantarle al amor. Reseña Pablo Und Destruktion – ‘Predación’ (Sonido Muchacho, 2017)

El mordiente artista asturiano Pablo Und Destruktion presentó el pasado viernes 5 de mayo (mismo día en el que actuaba en nuestro WAM Estrella Levante) su cuarto álbum de estudio. ‘Predación’, pues este es el título de la última referencia discográfica de un artista que llego a ser momentáneamente delegado de la SGAE en Asturias con el objetivo de hacer llegar sus reivindicaciones, es un álbum redondo, cuyo sonido sólido va de la mano de un componente lírico redondo y que a menudo se muestra muy continuado.

El disco se abre con ‘Preludio corintio’, un tema que supone toda una declaración de intenciones y que deja claro cuál va a ser la temática recurrente durante todos los cortes del disco: el amor. No en vano, una de las canciones más destacadas del disco (con revisión de una cita de Dostoyevski incluida) lleva ese título, convirtiéndose tanto literal como metafóricamente en la canción central del disco. Encadenado con ese preludio tenemos además ‘Puro y ligero’, el que seguramente es el nuevo gran himno de Pablo Und Destruktion. Una canción que, favorecida por las dos oleadas de intensidad conseguidas con una instrumentación ascendente entre la que destaca una línea de bajo completamente hipnotizante, llega a convertirse en un tema épico protagonizado por una letra de arrepentimiento y desencanto, si bien en búsqueda siempre de la redención. O al menos, esta es la interpretación que me atrevo a hacer pues, como el propio músico deja claro en ‘Un salario social’, “para conocer a un animal hay que quitarle la piel”. Y es que, sin duda, a Pablo le queda aún una buena capa de pieles, pues tengo claro que seguramente el músico asturiano sea uno de los músicos más enigmáticos del panorama nacional, si no el que más. Esta canción, en ese sentido, perfectamente podría ser tildada de autobiográfica.

Pasando ya el ecuador del disco, el músico asturiano recupera un tema popular asturiano, ‘A la mar fui a por naranjas’, canción que habitualmente le cantaba al joven Pablo su madre, la figura que marca todo este trabajo. Y siguiendo con los recuerdos, el músico asturiano nos regala una canción en la que recuerda a sus ancestros (en particular, a su abuelo) cuya sangre lleva como ‘El mejor traje de seda’.

Si ya he comentado que ‘Puro y ligero’ sea seguramente el nuevo himno de Und Destruktion, el otro gran hit del disco que ha salido de mano de Sonido Muchacho es esa carta de amor atípica que lleva por título ‘Conquistarías Europa’, en la cual, como Pablo ha comentado en alguna entrevista, hace referencia al valor del islam con su conquista de Europa mediante la natalidad (“conquistarías Europa con nuestros vientres”). Instrumentalmente, además, la base electrónica sobre la que se sustenta el tema comienza por ser estridente y termina por hipnotizarnos, como anteriormente han hecho a lo largo del disco instrumentos como el bajo o la batería.

Como toda buena obra, este ‘Predación’ (Sonido Muchacho, 2017), acaba con ‘Herejes una canción’ que sirve de epílogo o conclusión, y en la que se retoma el amor, que para el artista asturiano, “luce para todos y se está apagando”. Así se termina de completar un álbum que durante todo sus cortes y su minutaje nos ha ido dejando una sensación de solidez que tal vez no veíamos en sus trabajos anteriores. Además, en la parte lírica Pablo Und Destruktion ha presentado un disco más claro, hablándonos de amor de una forma ciertamente novedosa, dejándonos claro que el tema universal de la música aún puede seguir siendo explotado.

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Pablo Und Destruktion estrena la mordaz ‘Puro y ligero’.

El próximo día 7 de abril el trabajo del músico de Gijón Pablo G. Díaz, aka Pablo Und Destruktion, verá la luz de mano de Sonido Muchacho. Como aperitivo al disco que ha sido producido por Paco Loco, el pasado viernes nos adelantaron la mordaz ‘Puro y Ligero’, que suena así:

El álbum llega tras 4 referencias discográficas anteriores entre las cuales destacan ‘Sangrín’ o sobre todo ‘Vigorexia Emocional’, si bien gran parte del ruido que el músico asturiano ha hecho ha sido debido a sus interesantes ideas. ‘Predación’ verá la mano de una de las discográficas independientes más activas de nuestro país, Sonido Muchacho, y lleva como portada una chocante adaptación del éxtasis de Santa Teresa de Bernini obra de Igor Casayjardín. Sobre el disco, el propio músico dice lo siguiente:

Hice Predación porque aún no me he atrevido a tratar de vivir aislado en mitad de los Picos de Europa, subsistiendo de la recolección y de la caza furtiva y supliendo mis carencias de minerales lamiendo las estalagmitas de las cuevas de la región. Hice Predación porque todavía no puedo vivir sin luz eléctrica, sin viajar, sin comer, sin follar, sin hablar, sin cantar, sin mirar el mail. Hice Predación porque desde mi más tierna infancia siempre he tendido al delirio de gandaya y a tratar de encontrar una forma rotunda de significar el hecho de latir y recibir estímulos externos con muchas más frecuencia de la que me gustaría. Hice Predación porque quería compaginar esa sensación tan típica de la cornisa cantábrica con unas ritmos más sabrosos y guitarras fuzzeras que incluso remitieran a ambientes de fantasía sintética y sureña. Ellos lo llevan mejor. Hice Predación porque me ayudaron Ángel Kaplan con el bajo, Pibli con la batería, Alfonso Alfonso con la guitarra midi y Javier Bejarano con la gitarkua. También hice Predación porque Paco Loco lo grabó e hizo que me lo pasara muy bien y que casi olvidara que lo que tengo que hacer es aprender a vivir en mitad de los Picos de Europa y dejar que este fantástico mundo siga mostrando la mejor de sus sonrisas (:-D).

PD: La verdad es que también hice Predación porque echaba de menos a Dios, a los muertos y al amor. Alguien tenía que hacer el trabajo sucio.

Os recordamos que tras habernos sorprendido muy gratamente en el pasado Low Festival, podremos disfrutar en directo de Pablo Und Destruktion en nuestro WAM Estrella Levante.

 

 

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L.A. comparten ‘Helsinki’

El alter ego de Luis Alberto Segura, la banda L.A., nos regaló el pasado viernes el que es ya el tercer single de su inminente nuevo disco, ‘Helsinki’.

Con ella aprovechan y nos regalan la portada del disco, que podéis ver en el vídeo; así cmo el tracklist íntegro. ¡Ojo! El disco contará con 17 canciones, cuyos títulos podéis leer más abajo. Con este tema, que mantiene la esencia del sonido de L.A. pero que a la misma vez nos muestra una vuelta de tuerca, ya son tres los singles que conocemos de ese ‘King of Beasts’. Hace un mes nos regalaron ‘Leave it All Behind’, tras haber cerrado el primer mes de este 2017 con el primer single del álbum, la sutil ‘Wind’. Además, a lo largo de estos 3 meses nos han ido anunciando fechas de presentación, entre las cuales se encuentran la de nuestro WAM Estrella Levante o la del Low Festival.

Tracklist completo de ‘Wild of Beasts’, el inminente nuevo disco de L.A.:

01. King Of Beasts #7
02. Leave it All Behind
03. Helsinki
04. Where the Angels Go
05. Killing Me
06. Turn the Lights On
07. Wind
08. House of the Wasted Truth
09. Suddenly
10. Elephant Interlude ••10
11. The Keeper and the Rocket Man
12. Fire in your Eyes
13. Stay
14. Lost & Gone
15. Again Today
16. Suddenly (Reprise)
17. Adios Savannah

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Pleyel nos desgranan su EP homónimo en exclusiva

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Hoy, 21 de febrero, ve la luz el primer disco de Pleyel, un EP homónimo con el que hacen toda una declaración de intenciones. Casi un año de estudio les ha llevado a este producto final, 5 temas con fuerza que reivindican la presencia del rock alternativo en la Región. Ya está disponible para su escucha en plataformas como Bandcamp y su nueva página web. Se trata de un trabajo autoeditado, grabado y mezclado en Loopers Estudio y masterizado en AMA Estudios y la portada es la que vemos arriba, un trabajo de África Bastida sobre una idea del propio grupo.

Pero ¿quién mejor para contártelo que ellos mismos? Le hemos pedido al grupo que nos hable acerca de las canciones.

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Pleyel por Lola López

1. Decline of Music

Esta canción de corte más heavy y guitarrero habla sobre la decadencia que hay en la industria musical y cómo la gente, aun sabiéndolo, ignora esto de modo que al final los perjudicados somos los grupos emergentes. También, aunque en menor medida, hablamos de la ínfima calidad de buena parte de la música que se consume actualmente. No llega a ser un tema de actitud negativa, pero expresa la mala leche que se nos pone al ver la situación injusta en la que se encuentra mucha gente dentro del mundo de la música.

2. Change

Nuestra primogénita. Esta fue la canción que nos animó a tocar temas propios. Intenta ser un soplo de aire fresco, tiene una aire optimista, es una canción sencilla (que no simple). La letra habla acerca de que si quieres cambiar tu mundo no puedes esperar que otros lo hagan por ti, tienes que mover el culo, cuando crees en algo no puedes dejarlo pasar sin más, no puedes dejar que porque alguien te diga que no ya ni siquiera lo intentes. El mundo quiere cambiar y necesita ideas, así que no te las guardes para ti y lucha por ellas.

3. Useless

Empezó siendo muy distinta a como es ahora, tras el proceso de producción. Tiene aires de punk moderno del estilo de Green Day y los últimos Foo Fighters pero llevados a nuestro terreno, con arreglos de vientos en los que el saxofón es protagonista. La letra habla de política, de que las cosas no se están haciendo bien y enumera varios casos en los que siempre ha habido alguna trampa o manipulación de modo que siempre hay un perjudicado y un beneficiado que no deberían serlo. Tiene un tempo rápido, con guitarras eléctricas que le dan mucha fuerza, es enérgica y sincera.

4. The Host

Es corta pero intensa. Con ella hemos descubierto el tipo de música que realmente queremos hacer, el camino por el que queremos seguir desarrollando nuestra música. Hemos visto que nos gusta esto, que nos gusta lo que nos ha salido y no hay grupos en la Región que hagan algo así (al menos que nosotros sepamos). En la producción de esta canción nos centramos en crear un tema pesado pero a la vez pegadizo. En la letra, el “malo” alardea de su superioridad y de cómo puede acabar con todos nosotros a su voluntad, aunque la marabunta, la masa que somos todos, actúa como un ejército y unidos podemos acabar con él.

5. The Passenger

El capítulo final. Esta es la última canción que hemos grabado y lo hemos hecho 6 meses después de grabar las 4 anteriores, por lo que hemos tenido tiempo de prepararla y producirla nosotros mismos (con el filtro de Pepe Ludeña), aunque nos ha costado mucho. Es la canción más completa instrumentalmente hablando y la más larga del disco. Cada arreglo está perfectamente estudiado para meterlo en ese sitio, decidimos tomárnosla con más calma y esperar a que las mejores ideas se unieran unas con otras. La temática de la letra es la dicotomía entre levantarte y luchar por las cosas o quedarte sentado pensando que por mucho que luches jamás lo lograrás. Con este tema hemos superado al “Pleyel del pasado” usando cosas que hemos aprendido a lo largo de nuestra corta pero intensa trayectoria, de modo que es un punto y final perfecto para el disco.

 

 

 

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Rufus T. Firefly vuelven a superarse entre psicodelia y synth pop

El viernes pasado, además de una gran e interesante serie de adelantos, también vieron la luz discos como el de Rufus T. Firefly, el cual nos hacía especial ilusión tras escuchar los adelantos que habían propiciado que algunos adquiriéramos  el álbum en su preorder. Tras recibir la pre escucha y asimilar el disco, tenemos claro que es uno de los mejores discos de (lo que llevamos de) 2017. ‘Magnolia’ es un matrimonio perfecto entre la psicodelia y el synth pop, y supone un paso más allá tras el genial ‘Nueve’ (2014).

El disco es introducido por la sutil ‘Tsukamori’, en el cual vemos otra canción de título asiático, como es habitual en las referencias del grupo madrileño (‘Midori’ era uno de los temas más destacados de su anterior álbum), y en el que una melodía dream pop muy agradable sirve de base para una letra que tiene a la naturaleza como protagonista: “Que el bosque muerto despierte/Que el aullido del viento se haga canción/Que levante las hojas y bailen.” El protagonismo de la madre tierra durante todo el disco queda patente en las continuas referencias a ella en las letras de canciones como ‘Última noche en la tierra’, donde los protagonistas con el océanos, el cielo  o las ballenas.

Pese a la leve introducción de claro sonido dreampop (aspecto que volvemos a ver en otros temas de ‘Magnolia’) sin duda, el sonido más característico del álbum es el de las guitarras y las baterías que nos recuerdan a los míticos Led Zeppelin. Y es que, por canciones como el single ‘Rio Wolf’, podemos afirmar que las melodías de Rufus T. Firefly se basan en una perfecta conversación entre la psicodelia de las guitarras y el synthpop de los sintetizadores y los teclados. Sin duda, la mano de Manuel Cabezalí con la guitarra y de Martí Perarnau haciendo lo propio con los sintetizadores queda más que patente. Las afinidades sonoras de este ‘Magnolia’ son tres: Led Zeppelin, Havalina y el último disco de Mucho (no en vano 2 de los músicos del álbum son del grupo manchego).

Otro de los aspectos habituales en el grupo liderado por Víctor Cabezuelo son las continuas referencias al cine, la literatura, etc. Uno de los grandes temas del álbum (si bien ninguno nos deja indiferentes) surge y lleva el nombre de una de las películas favoritas del cantante y líder de Rufus T. Firefly: Pulp Fiction, y el “estoy a mil jodidas millas de estar bien” esta sacado literalmente del largometraje de Quentin Tarantino. En la tétrica Cisne Negro la referencia será a Psicosis y su Norman Bates, para seguidamente llegar a la canción clímax del álbum: en la enérgica “-O-“ decidimos que Rufus T Firefly lo habían vuelto a hacer, y eso que aún quedaban tanto referencias al cine ciencia ficción con ‘El halcón milenario’ como el mejor homenaje a la música que hemos oído en mucho tiempo:

Los versos de ‘Nebula Jade’, una canción claramente amorosa, nos han emocionado desde el primer día que la oímos, y sobran palabras, pues ya se encarga Víctor Cabezuelo de emocionarnos con ellas: “Eres la guitarra que llora de Harrison/ La psicodelia de Pink Floyd/Eres la pegada de John Bonham/Eres la voz de Thom Yorke”.

Aunque con los adelantos que Rufus T. Firefly nos esperábamos un genial disco, poca gente se imaginaba que el grupo madrileño volviera a superarse, en especial teniendo en el recuerdo la sensación que consiguieron con su última referencia. Con ‘Magnolia’ lo han conseguido. Sonando propios a la vez que dejando claras sus referencias, las melodías del disco te atrapan y te obligan a no parar de canturrear y contonear las canciones. Sin duda, Rufus T. Firefly es uno de los grupos más interesantes que ver este año, y nos llena de ilusión saber que vamos a disfrutar de ellos en la Sala Musik dentro del ciclo Microsonidos.

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