Discos, Reseñas

Biznaga y su derroche de energía en el sólido ‘Sentido del Espectáculo’

El pasado 2015 un grupo irrumpió en mi vida con energía y, sobre todo, rabia. El cuarteto punk Biznaga marcó, a base de certeros conciertos en festivales, el que fue mi primer verano intensamente festivalero. Las letras de los temas de su ‘Centro Dramático Nacional’ las llevo grabadas a fuego en mí, y el anuncio de su segundo LP hizo despertar mi lado más punk. Tal vez el grupo no nos muestra una música especialmente trascendental, pero lo que queda claro con este ‘Sentido del Espectáculo’, el cual podemos escuchar gracias a Slovenly Records desde hace unas semanas, es que el cuarteto madrileño es uno de los grupos más importantes (si no el que más) del sonido punk en nuestro país.

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La fórmula que escuchábamos en ese ‘Centro Dramático Nacional’ se mantiene: las letras están llenas de versos que podríamos catalogar como viscerales o crudo, y que están hechos más para ser gritados que cantados. Algo que nos queda claro con ese ‘A tumba abierta’ y sus “velocidad y ciencia generan violencia, vivir a tumba abierta, catástrofe en potencia”. En ese mismo tema nos muestra otro de los caracteres claves de este ‘Sentido del espectáculo’: las guitarras suenan más limpias, lo cual denota un trabajo más fino de producción, y sobre todo, más enérgicas, algo que ya veíamos en algunos temas del primer álbum de la banda madrileña pero que ahora es la tónica general en las canciones del disco, lo cual hace de esta referencia discográfica un álbum mucho más compacto y que a menudo suena al grupo punk más importante de la historia de la música (y lo digo sin miedo alguno): The Clash, y prueba de ello son los riffs de guitarra que inundan el disco en canciones como ‘Una ciudad cualquiera’ o el comienzo de ‘Mediocridad y confort’ o los coros que dotan de musicalidad al hiriente punk de Biznaga.

Prueba de ello es que se hace muy difícil elegir a unas canciones por encima de otras, y tal vez lo más importante para diferenciarlas entre sí sea atender a las letras de los temas que conforman el ‘Sentido del espectáculo’ de Biznaga. Como es habitual, se diferencian de otros grupos con un sonido claramente punk en el aspecto tan académico de la parte lírica. Ya sea bien con referencias a la alquimia con esa ‘Nigredo’, uno de los temas más destacables del disco, el uso de conceptos muy técnicos como rigor mortis o estilo jacobino en ‘Los cachorros’ o ‘Una nueva época del terror’.  Otro de los grandes temas y que hacen de Biznaga un grupo de punk mayúsculo es el uso del nihilismo, las referencias a la muerte y el valorar poco cuestiones como pueden ser las ciudad. Porque es sin duda en esa ‘Una ciudad cualquiera’ que nos adelantaron y que mantiene una brutal línea de bajo en la que dan rienda suelta, en lo lírico, a esa oscuridad. Pero sin duda, el tema marca de la casa Biznaga es la crítica social, y ese ‘Mediocridad y confort’ lo muestra de forma explícita desde su título: la canción es una crítica a la sociedad actual que ataca directamente a las redes sociales (“la historia según el algoritmo de la red social”) y a la sociedad de consumo (“hoy vanguardia, mañana decoración”).

En definitiva, el disco de Biznaga muestra una mayor solidez, marca del rodaje que el grupo lleva ya a sus espaldas, y si bien muestra un avance importante en su música, el cuarteto madrileño ha sabido mantener intactos los aspectos marca de la casa, algo que hará que cada vez que los veamos en directo nos dejemos la garganta y nuestra integridad física en sus conciertos. Discos como este nos animan a arrancarnos a decir de vez en cuando que el punk no está muerto, pero eso supondría contradecir al propio punk.

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Rufus T. Firefly vuelven a superarse entre psicodelia y synth pop

El viernes pasado, además de una gran e interesante serie de adelantos, también vieron la luz discos como el de Rufus T. Firefly, el cual nos hacía especial ilusión tras escuchar los adelantos que habían propiciado que algunos adquiriéramos  el álbum en su preorder. Tras recibir la pre escucha y asimilar el disco, tenemos claro que es uno de los mejores discos de (lo que llevamos de) 2017. ‘Magnolia’ es un matrimonio perfecto entre la psicodelia y el synth pop, y supone un paso más allá tras el genial ‘Nueve’ (2014).

El disco es introducido por la sutil ‘Tsukamori’, en el cual vemos otra canción de título asiático, como es habitual en las referencias del grupo madrileño (‘Midori’ era uno de los temas más destacados de su anterior álbum), y en el que una melodía dream pop muy agradable sirve de base para una letra que tiene a la naturaleza como protagonista: “Que el bosque muerto despierte/Que el aullido del viento se haga canción/Que levante las hojas y bailen.” El protagonismo de la madre tierra durante todo el disco queda patente en las continuas referencias a ella en las letras de canciones como ‘Última noche en la tierra’, donde los protagonistas con el océanos, el cielo  o las ballenas.

Pese a la leve introducción de claro sonido dreampop (aspecto que volvemos a ver en otros temas de ‘Magnolia’) sin duda, el sonido más característico del álbum es el de las guitarras y las baterías que nos recuerdan a los míticos Led Zeppelin. Y es que, por canciones como el single ‘Rio Wolf’, podemos afirmar que las melodías de Rufus T. Firefly se basan en una perfecta conversación entre la psicodelia de las guitarras y el synthpop de los sintetizadores y los teclados. Sin duda, la mano de Manuel Cabezalí con la guitarra y de Martí Perarnau haciendo lo propio con los sintetizadores queda más que patente. Las afinidades sonoras de este ‘Magnolia’ son tres: Led Zeppelin, Havalina y el último disco de Mucho (no en vano 2 de los músicos del álbum son del grupo manchego).

Otro de los aspectos habituales en el grupo liderado por Víctor Cabezuelo son las continuas referencias al cine, la literatura, etc. Uno de los grandes temas del álbum (si bien ninguno nos deja indiferentes) surge y lleva el nombre de una de las películas favoritas del cantante y líder de Rufus T. Firefly: Pulp Fiction, y el “estoy a mil jodidas millas de estar bien” esta sacado literalmente del largometraje de Quentin Tarantino. En la tétrica Cisne Negro la referencia será a Psicosis y su Norman Bates, para seguidamente llegar a la canción clímax del álbum: en la enérgica “-O-“ decidimos que Rufus T Firefly lo habían vuelto a hacer, y eso que aún quedaban tanto referencias al cine ciencia ficción con ‘El halcón milenario’ como el mejor homenaje a la música que hemos oído en mucho tiempo:

Los versos de ‘Nebula Jade’, una canción claramente amorosa, nos han emocionado desde el primer día que la oímos, y sobran palabras, pues ya se encarga Víctor Cabezuelo de emocionarnos con ellas: “Eres la guitarra que llora de Harrison/ La psicodelia de Pink Floyd/Eres la pegada de John Bonham/Eres la voz de Thom Yorke”.

Aunque con los adelantos que Rufus T. Firefly nos esperábamos un genial disco, poca gente se imaginaba que el grupo madrileño volviera a superarse, en especial teniendo en el recuerdo la sensación que consiguieron con su última referencia. Con ‘Magnolia’ lo han conseguido. Sonando propios a la vez que dejando claras sus referencias, las melodías del disco te atrapan y te obligan a no parar de canturrear y contonear las canciones. Sin duda, Rufus T. Firefly es uno de los grupos más interesantes que ver este año, y nos llena de ilusión saber que vamos a disfrutar de ellos en la Sala Musik dentro del ciclo Microsonidos.

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Bowie, deslumbrándonos desde las estrellas con ‘No Plan’

Hace 70 años nació uno de los artistas más importantes de Reino Unido (y del mundo occidental seguramente). El hombre que cayó de las estrellas nos dejó hace un año, por su 69º cumpleaños, el que sería, tristemente su último disco, Blackstar. Lo hizo sólo dos días antes de su muerte, conmocionando a todos sus seguidores y haciendo más grande su leyenda y la de dicho disco.  Esta madrugada, desde su casa, las estrellas, nos ha dejado un EP póstumo. Y no hemos podido dormir.

Bowie No Plan EP

Justo hace unas horas (escribo esto a las 2:10am del domingo) en La Noche Temática de La 2 nos han deleitado con un documental sobre los años más gloriosos del artista. Repasando desde la figura de Ziggy hasta el ya famoso Bowie y cautivándonos con The Thin White Duke, nos han mostrado todo lo que había en la cabeza del camaleónico genio durante esos años de efervescencia musical.

Hasta ahí, todo bien. Luego nos hemos metido en la cama con la noticia: ‘No Plan is out’, el EP de canciones inéditas de David Bowie acababa de ver la luz. Y con el hype marciano a flor de piel, nos hemos olvidado de todo y hemos procedido a escucharlo. Y se nos ha partido el alma. Pensando en quién se nos fue hace poco menos de un año, pensando en todo lo que significa para cada uno de nosotros y sobre todo, acrecentado por la desgarradora ‘No Plan’, que da título al EP. La confrontación directa, el canto perfecto, hacia su inminente muerte.

Ese espectro es el que sobrevuela todo el EP, y nos lo transmite hasta con rabia. Implacable como lo fue durante sus 69 años, nos canta que aún tenía un puñado de canciones preparadas, y que le molestaba su destino. (“This rage in me/I’ve got a handful of songs to sing”). Es inevitable que con todo lo ocurrido hace aproximadamente un año, no nos sentemos a pensar qué significaba Bowie para nosotros, que no le oigamos cantar sobre su propia muerte y que no rompamos a llorar. Y eso, amigos, no es sino prueba de su grandeza: aún desde Marte, desde su cápsula, desde las estrellas, sigue deslumbrándonos.

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Listas

Lo mejor de nuestra Región en 2016. Murcia, qué hermosa eres

¿Acaso creíais que habíamos terminado nuestro repaso del año? ¿Sin daros el coñazo con algo que haya ocurrido en Murcia? Dejando aparte el debate de si existe o no una escena en nuestra Región, lo que está claro es que grupos de la huerta hay a patadas, así que como “menciones de honor” os dejamos la lista de lo mejor que ha parido Murcia en este año 2016. Y sí, al igual que en las listas nacional e internacional, faltan discos, EPs y muchas cosas. Pero estamos en crisis y hay que recortar.

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La Fuerza Mayor, Viva Suecia

A principios de año, Viva Suecia lanzó La Fuerza Mayor, su primer largo, y con tan solo un par de escuchas supimos que este sería uno de los mejores discos del año. Encontramos en este disco temas con personalidad propia, ambientes y atmósferas borrosas en constante subida, acompañadas de letras potentes, cercanas a la vez que elaboradas. Aún no hemos terminado de digerir del todo este disco cuando Viva Suecia ya tiene anunciado nuevo largo para principios de 2017. Sin duda, una de las bandas de la Región que más promete.

Segundos de una espera, La Maniobra de Q

Segundos de una espera, La maniobra de Q

Le pese a quien le pese, La Maniobra de Q es actualmente uno de los grupos más consolidados de nuestra región. Sin duda alguna, son los reyes del noise en Murcia (vale, tal vez no es difícil) y estas 5 canciones son buena muestra de ello. Como ya nos adelantaron, cada vez más ruidosos… y cada vez más buenos. En su última referencia han atado los (pocos) cabos sueltos que quedaban sueltos en sus canciones. Estarán en el Microsonidos y tras la última vez que los vimos, no podemos perdérnoslos.

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How to Revive a Dead, Kessels

Kessels ha sido uno de nuestros mayores descubrimientos del año en cuanto grupos murcianos, así el EP que han lanzado este 2016, How to Revive a Dead (en el que se han atrevido, muy acertadamente, a cantar en español), tenía que estar en nuestra lista. El rock alternativo de los cartageneros tiene un sello propio, con canciones pegadizas en la que se nota una gran influencia de la escena independiente británica (exacto, en especial The Smiths), un grupo fresco y diferente de lo que impera en la música murciana actual.

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Estúpido Flanders, Estúpido Flanders

Aunque tal vez con esto ya entremos en cuestión de gustos o incluso de brujería, el dúo Estúpido Flanders ha materializado en este su primer EP que son uno de los grupos (si no el que más) con más potencial de nuestra región (con perdón de Viva Suecia, pero Rafa y compañía ya han explotado). Regalándonos desde una de sus primeras canciones (en español) hasta las más instrumentadas y rockeras. Sin duda, si mantienen sus ideas, podremos disfrutar de ellos más tiempo…

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Nunatak y el Pulso Infinito, Nunatak

Este es el segundo largo de Nunatak, un álbum en el que suenan más sólidos y más seguros de sí mismos. Ya con el lanzamiento de los singles dejaron claro que con este disco se han atrevido a explotar su sonido y a introducir elementos que antes se correspondían con el sonido de Nunatak. Han dejado de lado el sonido puramente acústico pero no han perdido su aire épico y enérgico a la vez que sensible. Con este álbum han dejado claro que son un grupo al que aún le queda mucha trayectoria y al que aún le quedan cosas que demostrar y con las que sorprendernos.

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Ser de Plutón, Garaje Florida

La reencarnación de El Bueno, El Feo y el Mena en Garaje Florida ha sido sin duda uno de los hitos más destacados de Murcia en este 2016. Pasar del inglés al castellano y lo más llamativo, del country al fuzz y el garaje. Y nada de hacerlo poco a poco. Si no hay riesgo no hay opciones de ganar, así que la llegada del buen fuzz a Murcia debía de llegar como lo ha hecho, con un genial disco formado por 12 canciones llenas de garra y energía.

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Masquerader, Alv McMartin

La nota rockera de la lista la pone Alv McMartin, quienes presentaron hace unos meses este EP, Masquerader. En este disco encontramos cinco temas llenos de aire vintage, rock and roll de carácter clásico, swing y rythm & bluez, limpio y bien hecho, en el cual se notan las influencias de grandes nombres del rock. Mención especial para su directo, también lleno de energía y sin un solo fallo.

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Phantom, Poolshake (fka. Glasgow)

Los chavales de Glasgow ahora se llaman Poolshake, sí, pero a lo que vamos. Phatom nos muestra un sonido fresco, enérgico y descarado lleno de influencias de la psicodelia y el surf rock. En directo son sin duda efectivos, y debido a su edad tienen un largo potencial. Se merecen tener el foco sobre ellos, y ‘NY Subway’, ‘Waif’ o ‘Nebraska’ son buena prueba de ello.

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I love you, Neuman

Priman los EPs en la selección murciana, y no podíamos obviar el que ha firmado Neuman. Tras la publicación de If en 2014 y la exhaustiva gira que le acompañó, este año Neuman ha publicado estos cuatro temas caracterizados por el ya reconocible sonido a antiguo, a sucio y a radio lejana de esta banda. Nos han sorprendido con temas más guitarreros y rápidos, pero también han dejado hueco para la ternura y para los versos en castellano.

Staring into the Woods

Fragments of a Picture, Staring into the Woods

Fragments of a Pictures es el EP de la jovencísima banda Staring into the Woods, que se quedaron finalistas en el II Alpha UM. En este EP vimos lo mismo que en su día en la final del concurso, unos músicos geniales que saben canalizar sus amplio abanico de influencias a la perfección. Encontramos desde el sonido más grunge a lo Incubus o Audioslave a lo más experimental del post-rock. ‘To Know Me’ o ‘Lew the Woods Swallow Us’ merecen sin duda una mención especial por encarnarlo a la perfección.

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A veces, lo fresco puede hacerse repetitivo. Reseña de Curves, debut de Barbott

A pesar del título de esta entrada, he de dejar claro desde el principio el hecho de que esta no es una reseña negativa, y que Barbott, a raíz de la publicación de Curves el pasado viernes 21, ha sido de los últimos grupos que más me han enganchado.

Barbott

Sin duda, los descubrí tras la publicación del videoclip de ‘Cream’ el single adelanto que comienza con unas atractivas guitarras que nos recuerdan irremediablemente a Two Door Cinema Club o a unos primeros Vampire Weekend y las cuales son recurrentes a lo largo del tema. Esa guitarra se ausenta durante la parte vocal y al final del tema, momentos donde un ambiente electrónico muy pop nos invade y nos trae a la mente a importantes grupos de lo últimos 5 años como Foster the People.

Más allá del single (tras su publicación le di una importante escucha a los EPs que más adelante comentaré), el disco se abre con ‘Paramount’ un tema en el cual la guitarra se nos clava de nuevo, pues junto a las a muy menudo pegadizas letras, son lo más característico del quinteto catalán. De nuevo, la base electrónica pone unos importantes cimientos sobre los que se desarrolla el tema en cuestión, que de nuevo nos remite a algún que otro grupo del “indie del 2000”, pues la voz de Guillem perfectamente podría casar en una canción de los Strokes. En ‘My Morning Every Window’ es en cambio la parte electrónica la que, con un regusto muy espacial, toma la melodía. Pero sin duda, la joya de la corona de Barbott es ‘Pyongyang’. La canción empieza con un tempo suave y una melodía que a mitad del tema empieza a tomar fuerza. Probablemente sea la canción menos fresca del disco y con seguridad esta es la razón por la que un servidor la considera la joya del disco.

A la leve ‘Pyongyang’ le sigue ‘Spaceship’. La otra joya. Esta vez la guitarra se acerca más al single y a la línea general del álbum, pero sin ser beber tanto de ese inde-machacon-popero (de nuevo, la razón por la que se convierte en la segunda joya). Siguiendo con la sucesión de buenas canciones de Barbott, nos dejan ‘It’s so Hard to Forgive’, una canción de nuevo calmada en la que la voz entra en conversación con el sintetizador, y que ya en el minuto final, repitiendo siempre eso de “it’s so hard to forgive when you’re on your own”,entra en una ascendente intensidad que de nuevo cierra con un sintetizador que perfectamente podrían haber firmado unos franceses con nombre de ciudad americana.

Tristemente, tras el single anteriormente comentado, y ya entrando en la segunda mitad, casi todas las canciones empiezan a pecar de lo que más les hace relucir. La guitarra fresca, los ritmos alegres se hacen irremediablemente repetitivos, y canciones como ‘Sun’, ‘Boyfriend’ o ‘Perfume’ no nos aportan nada novedoso y se quedan simplemente en canciones divertidas. No así es el caso de ‘Mother’. La canción comienza con unos sintetizadores muy cercanos a los sonidos new wave de los años 80 y vemos un nuevo matiz en la música de Barbott, lo cual se agradece y salva con creces esa segunda mitad de Curves junto a la también más que notable ‘Perfume’.

Sin duda el quinteto catalán ha conseguido lanzar un álbum sólido, con un sonido claro y fresco pero que inevitablemente a un servidor se le hace repetitivo. Los matices que he comentado que recuerdan a esos grupos más puramente “indies” no suponen del disco de Barbott una mera copia, sino que te dejan la sensación de recuerdo, de que has escuchado antes a Barbott o algo que se le parece mucho. Pero no sabes exactamente qué o por qué. Tal vez, la forma de evitar el efecto que acaba por crear el álbum hubiera sido recuperar alguno de los temas de los EPs a los que anteriormente he hecho referencia, como la genial ‘Triumph’, que sin aportar nada distinto al sonido del álbum hubiera funcionado como un buen gancho; o el que probablemente sea el tema más atrayente de los catalanes: ‘Kuanzishwa’, esa genial canción donde coquetearon con los sonidos más psicodélicos (que últimamente son una debilidad para quien escribe esta reseña)

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James Blake pone video a ‘I Need A Forest Fire’, su canción con Bon Iver

El músico británico James Blake lanzó ayer el videoclip de I Need A Forest Fire, la canción de su muy reciente último disco que cuenta con la colaboración de Bon Iver.

El viernes pasado, y de un día para otro, James Blake decidió sacar su tercer disco. La misma tarde del viernes nos enteramos de que el disco saldría esa misma noche, y nada más poder acceder a él, lo devoramos expectantes.

‘The Colour in Anything’ (así se titula el tercer álbum del músico británico) nos asombraba en primer lugar por su gran cantidad de canciones (17 son los cortes del disco) y por esta canción, ‘I Need A Forest Fire’, que contaba con la suculenta colaboración de Bon Iver. Además, tras unas primeras escuchas, podemos decir que, de nuevo, el que es el tercer disco de James Blake es una delicia, y que temas como ‘Modern Soul’ o ‘My Willing Heart’, este con la colaboración de Frank Ocean, son ya otros clásicos del repertorio del cantante.

Podremos disfrutar del directo de James Blake en el festival Sónar de Barcelona el viernes 18 de junio, y de Bon Iver en el también barcelonés Primavera Sound.

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Para el Sr. Chinarro, el progreso ni está, ni se le espera.

El pasado viernes 8, como ya os comentamos cuando se supo la noticia, fue la fecha de lanzamiento del último disco de Antonio Luque, mejor conocido como Sr. Chinarro. Producido por J de Los Planetas y con importantes colaboraciones como la de Soleá Morente, Florent o Pájaro Jack, ‘El progreso’ es, seguramente, uno de los mejores discos nacionales que vamos a escuchar este año.

'El progreso', Sr. Chinarro.

El músico sevillano fue dejando canciones a modo de adelanto en el medio Jenesaispop, de forma exclusiva, por lo que desde El Final del Círculo no pude hacer el seguimiento que me hubiera gustado hacer y esto ha hecho que pille esta reseña con ganas.

De esos adelantos, el primero que pudimos escuchar fue ‘Efectos Especiales.’ Este tema, que es el que abre el disco, nos marca algo muy carácterístico de todos los temas del disco y de toda la carrera musical de Antonio Luque: la intensidad va in crescendo, llenando el tema de arreglos que dan fuerza a toda la canción y que muestra inevitablemente la mano de J. Sr Chinarro se caracteriza por letras ácidas y llenas de originales metáforas que hacen de los temas contundentes alegatos, ya sea de ese tema universal que es el amor o, en este caso, de desencanto contra el progreso humano y a favor de vivir la vida; porque ‘la historia no está ni bien ni mal’, el progreso es una mera ilusión y hay que dejar de hablar y seguir adelante… como personas.

Sin duda, el desencanto contra esa idea del progreso marca todo el disco (no en vano se titula así), pues incluso en las canciones con una temática más sentimental hacen referencia a este. En la canción homónima, ‘El progreso’, que probablemente se convertirá en la próxima gran canción de Antonio Luque y en parte debido a la voz de Soleá Morente, junta un estribillo tierno con algunos versos más ácidos y que retoma el tema principal del disco.

Sentimentales también son ‘El castigo’, ‘Fase Lunática’ o’La mujer’, en las cuales vemos otra de las carácterísticas del disco: el uso de cuerdas. Sin ser nuevo en el sonido del sevillano, la forma de usarla nos recuerda a las de los últimos discos de Los Planetas. Acompañando el progresvio aumento de intensidad de las canciones, hace crecer a las canciones más de lo que lo harían si se hubieran limitado a guitarras, bajo y batería.

No sólo la típica canción chinarra tiene cabida en este álbum. A menudo, Antonio Luque ha mostrado de forma cristalina sus raíces andaluzas, y en este disco lo refleja ‘La ciudad provisional’ que, perfectamente, cuyo estribillo podría haber sido firmado por el Grupo de Expertos de Solynieve (también de J). A eso, podemos sumarle el casi western ‘La fiebre del oro’ (empieza de hecho con la melodía de ‘El bueno el feo y el malo’) o los ritmos tropicales de ‘Maravilla’.

Para Antonio Luque el progreso es una mentira, en su disco lo deja bien claro, tanto en las letras como en la melodía, sin hacer nada excesivamente innovador, nos ha dejado posiblemente uno de los mejores discos nacionales de este año (probablemente, y al menos para un servidor, ¿el mejor hasta ahora junto al de Mucho?).

Sr. Chinarro en Murcia.

El sevillano se llevará ‘El progreso’ de gira, y como os comentábamos ayer, el jueves que viene podremos disfrutar de él en el Auditorio Víctor Villegas, y también en festivales como el Low de Benidorm.

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